La exposición de Getty muestra cómo el cuerpo desnudo se convirtió en un tema de arte

Dosso Dossi (Giovanni di Niccolò de Lutero). 'Alegoría de la fortuna', alrededor de 1530. Óleo sobre lienzo. (Museo J. Paul Getty)

LOS ÁNGELES - Las buenas exposiciones complican las cosas sin confundirlas. Según ese estándar, The Renaissance Nude del Getty Museum es un espectáculo muy fino, que agrega capas de complejidad a la comprensión general de cómo el cuerpo desnudo se convirtió en un tema de arte en el siglo XV. No solo se centra en el desnudo heroico en Italia, el cuerpo idealizado inspirado en el redescubrimiento del arte antiguo, sino también en el desnudo en toda Europa. Examina las diversas fuerzas en juego en ese momento, incluidos los cambios en la práctica religiosa y nuevos poderes de observación más rigurosos, y cómo esas fuerzas crearon un apetito por la representación del cuerpo desnudo. Y reconoce lo obvio: que el deseo siempre fue parte del placer de la figura desnuda, sin importar cuán piadosa, alegórica o mitológica sea la narrativa de apoyo.

La exposición, comisariada por Thomas Kren, analiza un período de aproximadamente 120 años, comenzando en 1400, e incluye más de 100 obras, muchas de ellas préstamos importantes de las principales colecciones europeas. Presenta obras de Giovanni Bellini, Donatello, Alberto Durero, Jan Gossaert, Antonio Pollaiuolo y Tiziano, e incluye pinturas, esculturas, dibujos (incluidas representaciones anatómicas de Leonardo) y grabados. También pone un enfoque particular en los artistas franceses, que produjeron una especie de historia oculta del desnudo en libros devocionales ilustrados, imágenes destinadas a la contemplación y el deleite privados, e imágenes que no siempre se incorporan a la comprensión más amplia del desnudo durante este período. período.

Dos grandes tendencias impulsaron la aparición del desnudo como sujeto. Hubo el Renacimiento, como se entiende comúnmente, un despertar de las energías intelectuales que impulsó a los artistas a una observación más cercana del mundo, incluido el cuerpo humano. Pero también hubo un impulso religioso, hacia un cristianismo más personal, místico e intensamente sentido, que a menudo tomaba forma visual. El deseo de contemplar temas religiosos, de deleitarse con su sustancia visual, llevó a representaciones más sensuales de figuras religiosas clave, incluida, en Francia, Betsabé, a quien David vio bañándose. El mercado de libros de oración o devocionales, a menudo comisionados por mecenas adinerados, inspiró a los artistas a buscar representaciones novedosas y, a menudo, refinamientos picantes en estas miniaturas cerradas. En algunos casos, pueden haber respondido directamente a los gustos sexuales de los aristócratas para quienes se hicieron los libros: se dice que el duque de Berry, para quien se hizo una pequeña pintura de jóvenes penitentes religiosos masculinos flagelándose, tenía gusto para hombres de clase trabajadora, junto con niñas muy jóvenes.

Las diferentes concepciones de la propiedad también influyeron en el desarrollo de la forma desnuda. En Italia, a principios del siglo XV, predominaban las imágenes del San Sebastián desnudo, en parte, porque no era apropiado dibujar mujeres desnudas de la vida. Un dibujo de figuras femeninas de Pisanello, probablemente realizado entre mediados de la década de 1420 y principios de la de 1430, puede o no haberse extraído de la observación real de modelos femeninas, pero si lo fue, entonces fue uno de los primeros dibujos de este tipo. Más curioso es un boceto de Fra Bartolommeo, quien sorteó el problema de dibujar mujeres desnudas utilizando una muñeca mecánica, o maniquí, como modelo para la Virgen María. Aparece en una pose tradicional, acunando el cuerpo del Cristo muerto, pero tiene la parte superior del cuerpo y los brazos musculosos de un hombre.

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Fuerzas puramente artísticas también impulsaban las nuevas imágenes. El impulso al virtuosismo, a la elaboración, refinamiento y superación de trabajos anteriores, podría explicar la algo surrealista Batalla de los desnudos, de Pollaiuolo, un grabado que fue influyente en toda Europa. Muestra una batalla brutal entre 10 hombres desnudos, que empuñan espadas, flechas, hachas y dagas. El contexto de esta sed de sangre no está establecido, ni es obvio, pero la motivación del artista podría haber sido simplemente mostrar su habilidad en diferentes poses de la figura masculina.

La observación puede haber impulsado parte del desarrollo del desnudo, pero la observación también llevó a la idealización, y para muchos artistas, dibujar el cuerpo desnudo no se trataba de capturar un momento discreto en la vida de una figura viva, sino de perfeccionar la forma de la figura. figura más allá de los detalles de cualquier cuerpo. Artistas como Durero buscaron esquematizar el cuerpo, identificar sus proporciones y determinar la relación ideal de sus partes entre sí. Artistas como Miguel Ángel impulsaron esa idealización para crear lo que todavía hoy se lee como cuerpos sobrehumanos, perfectos más allá de la razón. De alguna manera, eso trajo el círculo completo del Renacimiento, desde su argumento inicial con la representación formulista medieval del cuerpo hasta otra fórmula más: el desnudo supuestamente clásico, demasiado pulido, que se ve en las figuras de la Capilla Sixtina (una imagen de la cual concluye el show de Getty).

A lo largo del programa, uno ve el deseo y la sexualidad operando de formas sorprendentemente abiertas. Un capítulo de la exposición se centra en el uso de personas reales como modelos para figuras religiosas, incluida una pintura de mediados del siglo XV del artista francés Jean Fouquet de la Virgen con el pecho desnudo. La inspiración para el rostro de la Virgen fue probablemente una reconocida belleza, Agnes Sorel, quien también fue la amante del rey Carlos. Otra sección analiza el deseo supuestamente ilícito, incluida la homosexualidad, que se ve en una xilografía deliciosamente franca de una escena de baño masculina de Durero, en la que los hombres se miran con un interés más que común, y en un grabado de Marcantonio Raimondi de Apolo y Admeto, un tropo de deseo entre personas del mismo sexo tomado de la mitología griega. Una discusión sobre las representaciones del cuerpo sufriente o mutilado subraya no solo una importante excepción a la tendencia a idealizar los cuerpos perfectos, sino que también enfatiza el grado en que el sadismo, el masoquismo y otras variaciones sexuales se entrelazan con las narrativas religiosas comunes.

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Entre las imágenes más gratificantes de la exposición se encuentran aquellas que sugieren la variedad de tipos de cuerpos que se consideraron hermosos. Una imagen de Durero de una mujer rezando, vista desde atrás, muestra un ideal de belleza más pleno y carnoso, mientras que varios de los primeros San Sebastián describen la belleza masculina como andrógina e incluso femenina. Un poderoso dibujo de Hans Baldung muestra al Cristo extático, que tiene el poderoso cuerpo de una figura clásica pero se ve retorcido en el suelo, con las heridas de la crucifixión claramente visibles en una mano. Atrapado entre la muerte y la resurrección, desliza una mano bajo una cortina que oculta sus genitales, un gesto erótico desconcertante pero poderoso.

El dibujo de Baldung le recuerda al espectador algo que se convierte en un poderoso leitmotiv de la exposición: que muchas de estas obras insisten en operar de maneras tremendamente diferentes, incluso contradictorias. Lo religioso no excluye lo erótico, lo sagrado y lo profano conviven. No es la mente moderna, lasciva e insinuante, la que lee el sexo en estas imágenes. De hecho, esta exposición deja a uno con la sensación de que el momento actual es el más puritano y nervioso y que aún nos queda un largo camino por recorrer antes de reconocer plenamente lo maravillosamente voluptuoso que siempre ha sido el pasado.

El desnudo renacentista Hasta el 27 de enero en el Museo Getty de Los Ángeles. getty.edu .