Kay Starr, una cantante ferozmente expresiva cuya habilidad para infundir canciones de swing, pop y country con su propio sello indeleble y de blues la convirtió en una de las artistas más admiradas de su generación, murió el 3 de noviembre en su casa de Los Ángeles. Ella tenía 94 años.
Annie Boddington, quien tenía el poder de la Sra. Starr, confirmó la muerte pero no reveló la causa.
En una carrera que abarcó siete décadas, la Sra. Starr fue principalmente un acto en solitario, pero también acompañó a músicos de jazz de swing duro como Coleman Hawkins, Nat King Cole y Count Basie, el country folk y artista occidental Tennessee Ernie Ford y el impecable el cantante de pop Pat Boone, entre muchos otros.
Hizo su debut profesional a los 7 años, cantando lo que llamó música hillbilly para una estación de radio de Dallas. Ella era una candidiasis adolescente en 1939 para Glenn Miller, quien dirigió la big band más popular del país, y reemplazó a Lena Horne con la orquesta de swing de Charlie Barnet a principios de la década de 1940.
Con Capitol Records y RCA, se convirtió en la reina de la máquina de discos a finales de los 40 y 50 con éxitos como Rueda de la fortuna, Retiro de Bonaparte, uno al lado del otro y El vals del rock and roll. Vendieron acumulativamente millones de discos.
Esos éxitos, para bien o tal vez para mal, la definieron en la mente del público como una emperatriz del pop schlock, una impresión que eclipsó una gran cantidad de trabajo de alta calidad y menos comercial que fue ampliamente venerado entre los críticos y sus compañeros musicales.
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Aunque la Sra. Starr nunca fue una cantante de jazz, estrictamente hablando, el crítico Will Friedwald la calificó como una de las mejores de la historia y escribió que poseía un fuerte dominio de la forma y tenía un impulso rítmico que él llamó positivamente espiritual.
También fue considerada una maestra del blues, y recibió elogios por su autenticidad de Billie Holiday, Dinah Washington, Lester Young y el cantante de Basie Jimmy Rushing, quien una vez exclamó que tenía tanta alma. Junto con Peggy Lee, fue una de las pocas vocalistas no negras que enfatizó un repertorio de blues en ese momento. (La Sra. Starr era tres cuartas partes de los indios americanos y una cuarta parte de los irlandeses).
Su talento convergió en una grabación de 1962 de Realmente no quiero saber una electrizante mezcla de gospel, country y blues que el crítico de jazz Gary Giddins llamó un tour de force de cinco minutos.
Sus devotos más fervientes incluían a Patsy Cline y Elvis Presley, quienes crecieron escuchándola. Pero el ascenso de Presley, en particular, también anunció un cambio en los gustos musicales que disminuyó el atractivo principal de Starr.
Ella perseveró en salas de conciertos y en pequeños sellos independientes y vivió para ver sus vivaces grabaciones de jazz de Tengo mi amor para mantenerme caliente y Es un buen día remezclado o revivido para comerciales de televisión. Hizo un dueto con Tony Bennett en Azul y sentimental, una selección de su lanzamiento de 2001 Playin ’With My Friends.
Cuando la música se convirtió en rock, luego en hard rock, luego en acid rock y todo tipo de cosas que no entendía, pensé que tal vez Dios me estaba diciendo que era hora de perderme, le dijo al New York Times. Pero la gente seguía llamándome y pidiéndome que hiciera cosas, y me di cuenta de que no era feliz sin cantar.
Apreciación del bluesKatherine Laverne Starks nació en Dougherty, Oklahoma, el 21 de julio de 1922. Su crianza en Dallas y Memphis la ayudó a inculcarle un profundo aprecio por el blues. A pesar de su abstinencia de alcohol, dijo que le dijeron más de una vez que sonaba como si la hubieran criado con ginebra de bañera.
La Sra. Starr, como pronto se la conoció, ganó una serie de concursos de talentos aficionados y cantó con una banda de swing occidental en la radio de Tennessee. Su gran avance se produjo en 1937, a los 15 años, cuando el popular violinista de jazz Joe Venuti, que entonces dirigía una banda de baile, llegó a Memphis y la contrató para sus citas en el principal hotel de la ciudad.
Fue mentor del joven cantante, a veces de formas poco ortodoxas.
Si no supiste las palabras, será mejor que las inventes, porque te golpeó en el trasero con ese arco de violín, y cuando te digo que eso duele, no bromeo, le dijo la Sra. Starr a la Los Angeles Times. Inventé más letras que Johnny Mercer.
Si tengo algún estilo, alguna presencia en el escenario, continuó, estoy segura de que Joe Venuti es el responsable. Joe me dijo una vez que si vas a cometer un error, hazlo tan alto que todos los demás suenen mal, y realmente creo que es por eso que canto tan alto.
Su trabajo con Venuti durante los siguientes tres veranos (asistió a la escuela secundaria el resto del año) la llevó a un breve compromiso en la radio en 1939 con Bob Crosby y sus Bobcats, una big band con inflexión de Dixieland en ascenso, y luego con el Miller big band para reemplazar a su cantante enferma, Marion Hutton.
La Sra. Starr, quien dijo que nunca aprendió a leer música, se quedó perpleja cuando Miller hizo una pregunta técnica sobre qué tan alto o bajo podía cantar.
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Me preguntaban: '¿Eso está en tu rango?' Y yo no lo sabía, así que solo dije que sí porque solo conocía dos tipos de rangos: uno de ellos cocinaba y el otro era donde estaban las vacas, ella luego le dijo a Friedwald.
Después de terminar la escuela secundaria, realizó una gira por California con Venuti. Ella hizo un puñado de grabaciones de primer nivel con Barnet, destacando en particular por su interpretación de Comparte Croppin ’Blues.
Dejó la banda en 1945, agotada después de una agotadora gira. También fue tratada por los nodos que se habían formado en sus cuerdas vocales y emergió con un sonido más áspero que se utilizó excepcionalmente bien en grabaciones de jazz con sellos pequeños.
Destacados incluidos Tiempo tormentoso con Cole al piano, Rosa Madreselva con el saxofonista Willie Smith, Hay una pausa en mi vida con Venuti y el guitarrista Les Paul, Si pudiera estar contigo una hora esta noche respaldado por los saxofonistas Benny Carter y Coleman Hawkins, y Dulce lorena con el pianista subestimado pero propulsor Calvin Jackson.
En 1947, Capitol Records firmó un contrato con la Sra. Starr. Durante los siguientes siete años, pasó del jazz a la música pop más comercial, una decisión motivada en parte por su necesidad de apoyar a su hija como madre soltera.
Los sobrevivientes incluyen una hija de su primer matrimonio, Katherine Yardley de Sunland, California, y un nieto. Sus seis matrimonios terminaron en divorcio.
En Capitol, cortó algunos lados fantásticos, como el lamento blues Soy la chica más solitaria de la ciudad y la balada Tan cansado, pero sobre todo fue relegada al segundo nivel, tomando los números que los nombres más importantes del sello, Peggy Lee y Jo Stafford, rechazaron.
Cuando la Sra. Starr ascendió en las listas, fue con canciones novedosas como el homenaje a la polka Hoop Dee Doo y la balada Wheel of Fortune, que se convirtió en su firma. Sus otros grandes éxitos en Capitol incluyen Allez-Vous-En, escrito por Cole Porter, y Si me amas, basado en una canción francesa popularizada por Edith Piaf.
Al decir que se sentía como una jugadora de utilidad subestimada, dejó el sello después de que su contrato expirara en 1954. Pronto se unió a RCA e inicialmente estaba horrorizada de que le entregaran lo que parecía un perro real, The Rock and Roll Waltz. Bromeó con Giddins que necesitaba un Dramamine antes de entrar al estudio de grabación. Pero la canción subió las listas de éxitos, vendiendo un millón de copias.
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De vuelta en Capitol en 1959, lanzó una serie de convincentes álbumes de jazz, country, espiritual y blues, que culminaron en Just Plain Country, que contenía I Really Don’t Want to Know y lo que Friedwald llamó una versión ardiente del éxito country. Cantando blues.
Grabó un álbum con Basie en 1968 y se ganó la vida de forma lucrativa durante las siguientes cuatro décadas actuando en hoteles de Las Vegas y en salones desde Florida hasta California. Pasó años de gira con una revista de nostalgia llamada 4 Girls 4 con Rosemary Clooney, Martha Raye y Helen O'Connell.
Estiramos un poco la palabra 'chicas', le dijo al Toronto Star en 1987.
Agregó que nunca se cansó, incluso décadas después, cuando las audiencias mayores le pidieron que sacara Wheel of Fortune.
'Wheel of Fortune' ha sido bueno para mí. ¿Cómo podría cansarme de eso? Eso es como decir que te cansas de la persona que te da todo en el mundo, dijo. Y cuando veo las expresiones en los rostros del público, tal vez recuerden la primera vez que escucharon la canción. . . el placer puro y sin adulterar que les brinda hace que valga la pena.
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