Micheal Ward como Franklyn y Amarah-Jae St. Aubyn como Martha en Lovers Rock de la serie de películas Small Axe. (Parisa Taghizedeh / Amazon Prime)
Por Ann Hornaday Crítico de cine 10 de diciembre de 2020 a las 6:00 a.m. EST Por Ann Hornaday Crítico de cine 10 de diciembre de 2020 a las 6:00 a.m. EST
Desde una plaga literal que se cobró la vida de un número desproporcionado de personas de color hasta los asesinatos de George Floyd, Breonna Taylor, Ahmaud Aubury y, más recientemente, Casey Goodson, 2020 ha amenazado con convertirse en el Año de la Muerte Negra. Cuando la estrella de Black Panther, Chadwick Boseman, murió de cáncer de colon en agosto, se sintió como un golpe especialmente cruel, uno que rompió no solo la vida de un joven artista brillante, sino también los sueños de una comunidad para la que simbolizaba la negritud en su forma históricamente más real y regia. cósmicamente aspiracional.
Pero mientras aumentaba la angustia y la indignación, algo más sucedía en nuestras pantallas. Cuando los cines cerraron y el público estadounidense encontró un sinfín de opciones de transmisión, lo que encontraron fueron películas que, en una variedad de formas y a través de formas dispares, presentaban las historias negras como esencialmente estadounidenses y, en última instancia, universales.
No es una hipérbole decir que la película más importante del año no fue un éxito de taquilla o un éxito independiente, sino el video de 10 minutos que hizo la adolescente Darnella Frazier sobre la muerte de Floyd, un documental improvisado que se convirtió en una escalofriante crónica de la desesperación de un hombre y la impunidad de otro. El video encendió oleadas de protestas y manifestaciones en todo el país, ofreciendo la esperanza de que una coalición multirracial finalmente alcance una masa crítica en torno a cuestiones de racismo contra los negros y reforma de la justicia penal.
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Pero también presentó un recordatorio de la preocupante relación de los estadounidenses blancos con el trauma negro, desde su contenido profundamente privado y angustioso hasta el hecho de que es Frazier quien tiene que dar un testimonio tan atroz. Una vez, las fotografías de linchamientos se compartieron ampliamente para incitar y entretener a los consumidores blancos. Eran la cultura popular de su época, al igual que El nacimiento de una nación traficaba con la denigración y violación de los cuerpos negros que, junto con el borrado total, sirvieron como uno de los pilares estéticos fundacionales del cine occidental.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.Ahora, las imágenes de actos igualmente grotescos se vuelven virales no en las postales o en los ornamentados palacios de películas, sino en las redes sociales; no por excitación, insisten sus circuladores, sino como un llamado a la solidaridad y al cambio social. Aún así, incluso cuando son recibidos con ese espíritu, es posible preguntarse por qué alguien necesita que se le muestre tanta humillación y crueldad para hacer algo acerca de un problema que no es nada nuevo. Como dice Angela Bassett en Between the World and Me, citando a Ta-Nehisi Coates en la reciente adaptación de HBO de su libro: En Estados Unidos, es tradicional destruir el cuerpo negro.
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Sentí como si nos estuvieran recordando constantemente esa triste y duradera verdad a lo largo de 2020. Lo que hace que sea aún más gratificante que, en medio de tanta agonía y destrucción, aparecieran verdades muy diferentes, e igualmente precisas, en nuestras pantallas de inicio.
Desde dramas sobre la mayoría de edad tan cuidadosamente observados como Premature y Miss Juneieth hasta el thriller de escuela secundaria tremendamente estilizado Selah and the Spades y la comedia The Forty-Year-Old Version, vimos a protagonistas afroamericanos, la mayoría de ellos mujeres, lidiar con romance, autoestima, conflicto intergeneracional y su propio poder emergente. Curiosamente, esos temas también aparecieron en uno de los mayores éxitos del año: The Old Guard, en el que KiKi Layne dio todo lo que pudo interpretando a un mítico soldado inmortal junto a Charlize Theron. Y lo mismo podría decirse de Small Axe, la antología de cinco películas de Steve McQueen para Amazon Prime en la que captura las dualidades del dolor y la belleza, el dolor y la curación, el trauma y la ternura en el contexto de la comunidad antillana de Londres en los años sesenta y setenta. y 1980.
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Alex Wheatle, la cuarta película de la serie que llega el viernes a Amazon Prime, narra la vida del autor adulto joven que sufrió un trato salvaje a manos de los primeros cuidadores y la policía inglesa. Como saben los admiradores de McQueen, el cineasta nunca ha rehuido representar el sufrimiento negro, como se evidencia en su drama ganador del Oscar 12 Years a Slave y en las películas Small Axe, que a menudo representan una violencia gráfica y despiadada.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.La gramática visual de McQueen a menudo implica la puesta en escena de una secuencia violenta con una verosimilitud brutal y contundente, y luego detenerse en las secuelas en un silencio incómodo. Su lenguaje cinematográfico es tan inquebrantable que algunos espectadores instintivamente lo han rechazado o lo han acusado de explotación.
Es cierto que la mirada implacable de McQueen presenta algunas preguntas provocativas cuando se trata de espectadores: para los espectadores negros, esas representaciones directas pueden ser demasiado dolorosas y personales para contemplarlas, o simplemente pueden alejarse demasiado de las nociones tradicionales de belleza, placer y entretenimiento.
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Para las audiencias blancas, el cálculo es mucho más complicado. Incluso aquellos espectadores que no se resisten reflexivamente a las imágenes más conflictivas de McQueen pueden, en cambio, identificarse con el personaje negro que está siendo dañado en lugar de tomarse un momento para reflexionar sobre cómo se relacionan con los que hacen el daño. O pueden mirar y negar obedientemente con la cabeza sobre lo terrible que es el racismo, felicitarse por reconocer ese hecho y retirarse a una burbuja autoprotectora de preocupación perpetua, una forma de santurronería vacía que el documentalista experimental Adam llama acertadamente Oh dearismo. Curtis.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.Lo que hace que el trabajo de McQueen sea distintivo, lo que le permite ir más allá del mero espectáculo, es su intensa subjetividad, una cualidad compartida por una gran cantidad de películas que surgieron en 2020. Los detalles mundanos de la vida en un pequeño pueblo de Texas que dan a Channing Godfrey Peoples's Miss June 16th, su poesía es una pieza con la historia de fondo del mundo real en la que insistió la directora Gina Prince-Bythewood para la heroína sobrenatural de Layne en The Old Guard. Y esa comprensión profunda es igualmente palpable en una variedad de estilos y sensibilidades, desde retratos experimentales como Residue de Merawi Gerima hasta adaptaciones teatrales directas como Black Bottom de Ma Rainey y la próxima One Night in Miami.
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Estos trabajos se han acumulado en lo que se siente como una invitación colectiva, no solo para ver los cuerpos negros mientras luchan y aman, fallan y perseveran, conquistan el continuo espacio-tiempo y navegan por la existencia terrenal cotidiana, sino para obtener dentro esas historias, dejando espacio para la empatía genuina, la comprensión y, solo tal vez, la transformación.
Esa intimidad se ha estado infiltrando en Hollywood durante la última década, en el trabajo de McQueen y Prince-Bythewood, así como en Ava DuVernay, Barry Jenkins, Dee Rees y Ryan Coogler. En manos de recién llegados como Gerima, Peoples, Tayarisha Poe (Selah and the Spades), Radha Blank (The Forty-Year-Old Version) y Zora Howard (Premature), fue aún más potente este año por haber sido radiante. directamente a nuestros hogares, donde la distancia de la imponente pantalla de 30 pies dio paso a un encuentro menos mediado y más a escala humana.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.En nuestros momentos más privados, la ira y la vergüenza evocadas por las imágenes virales de deshumanización se superpusieron con imágenes que reflejaban resiliencia, autosuficiencia y alegría pura y espontánea. El palimpsesto resultante refleja las contradicciones y posibilidades del cine estadounidense en el siglo XXI. Durante la mayor parte de su historia, el cine ha sido una de las herramientas más letales para normalizar y fetichizar la Peste Negra. Con una nueva generación de cineastas que se apoderan de los medios de producción, finalmente podría convertirse en una herramienta para restaurar Black Life.
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