Una de las primeras obras de Warhol, de 1956, estuvo dedicada a Christine Jorgensen, una mujer trans que llegó a los titulares en la década de 1950 después de someterse a una cirugía de reasignación de sexo. (Sammlung Froehlich / Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Artists Rights Society (ARS) Nueva York)
Por Philip Kennicott Crítico de arte y arquitectura 1 de febrero de 2019 Por Philip Kennicott Crítico de arte y arquitectura 1 de febrero de 2019
NUEVA YORK - Vivimos con Andy Warhol de la misma manera que vivimos con el material visual que reprodujo y explotó: la vasta cultura americana de productos de consumo, estrellas de cine y noticias. Trató de reclamar esta iconografía como arte, para aprovechar su poder seductor e imitar la forma en que circula, y al final gran parte de su propio arte se volvió indistinguible de la cultura comercial que tanto admiraba como parodiaba. Es omnipresente y en su mayoría invisible, a menos que intente precisarlo y darle sentido. Y luego parece extraño, fantasmagórico y un poco extraño, de una manera que hace que su pretensión de diversión benigna no parezca del todo de buena fe.
Entra en cualquier museo de arte moderno o contemporáneo decente y encontrarás a Warhol, probablemente una de sus serigrafías de Marilyn Monroe o el presidente Mao o Jackie O, imágenes coloridas que son tranquilizadoramente familiares y emocionalmente mudas. En un museo, funcionan como carteles comerciales históricos que colgarían fuera de las tiendas: un pez para indicar un pescadero, tijeras para un sastre, anteojos para un óptico. Las pinturas de Warhol a menudo desaparecen en su función semántica: denotar el negocio del arte moderno. O funcionan como estaciones obligatorias en la visita guiada por docentes: aquí hay un Warhol y es por eso que Warhol es importante. El compromiso es reflexivo y en muchos sentidos superficial, y si piensas, tal vez, que su trabajo cubre nuestros museos como papel tapiz, el guía puede decir: Exactamente, y Andy también hizo papel tapiz.
Las Marilyn, Mao y Jackie O están ahora a la vista en el Museo Whitney de Arte Americano enorme retrospectiva de Warhol. También lo es el papel tapiz, en una pequeña galería fuera del espectáculo principal, donde las superficies están cubiertas con sus vacas y flores de colores brillantes. La exposición ocupa todo el quinto piso, junto con una galería de monitores de video en el tercer piso y otra galería en la planta baja dedicada a los retratos. Y más allá del Whitney, hay otra exposición de Warhol, en el Academia de Arte de Nueva York , una instalación de más de 150 de sus dibujos.
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El espectáculo de Whitney, la primera gran retrospectiva de Warhol en los Estados Unidos desde 1989 Museo de Arte Moderno exposición, está organizada cronológica y temáticamente en 19 capítulos. Incluye los primeros trabajos de Warhol como estudiante de arte en Pittsburgh y artista comercial en la ciudad de Nueva York: sus pinturas y dibujos basados en periódicos; sus imágenes de desastres; su imaginería pop clásica de principios de la década de 1960 hasta su retiro de la pintura en 1965 (fue más un punto de inflexión que una despedida); sus empresas de cine, video y medios; y sus grandes obras finales, incluida Camouflage Last Supper de 1986, en la que una reproducción de la obra maestra de da Vinci está cubierta, pero no completamente oscurecida, por el tímido guiño de Warhol a la abstracción, una superposición de camuflaje de estilo militar.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.Los múltiples capítulos de Andy Warhol: From A to B and Back Again ofrecen una variedad de posibles Warhol, y está claro que la curadora Donna De Salvo quería enfatizar tanto la multiplicidad de sus esfuerzos como sus interconexiones. Este es un esfuerzo por humanizar a Warhol, para rescatarlo de la gélida invisibilidad de su reputación en el arte pop, para hacer que un hombre que una vez dijo La razón por la que estoy pintando de esta manera es que quiero ser una máquina para que se sienta un poco menos mecanicista. La muestra del MoMA de 1989 se concentró en el período clásico del arte pop de Warhol y, desde entonces, ha sido reclamado como artista gay, artista mediático, artista conceptual, filósofo del posmodernismo y oráculo de la era digital, y como un pintor de matices y sentimientos, no meramente una máquina para hacer serigrafías.
La retrospectiva de gran tamaño sirve bien a algunos artistas, a otros no. La forma particular de abundancia de Warhol se hace más profunda cuanto más se ve, incluso si el arte pop por el que es más conocido parece resueltamente silencioso cuando se lo ve aislado. Sus dibujos no solo prefiguran su interés por las imágenes comerciales, sino que también se esfuerzan por lograr una destilación visual de líneas y formas que hacen que su elección de la reproducción serigráfica parezca una consecuencia natural de su trabajo dibujado a mano.
Las primeras pinturas pop de varios billetes de un dólar, sellos verdes de S&H y botellas de Coca-Cola anuncian una fascinación de toda una carrera por las ideas de moneda, circulación e intercambio. Las pinturas de gran formato de Warhol con manchas de Rorschach de la década de 1980 recuerdan la técnica de líneas manchadas que usó cuando era un artista joven para crear dibujos a tinta delicados y ligeramente vacilantes. Incluso la delicadeza y el humor amable de sus primeros dibujos parecen conectarse con su posterior autoinvención como personaje público. Son retraídos y extravagantes al mismo tiempo, emergiendo del sustrato de timidez sobre el que se construyó Enigmatic Andy the Superstar.
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Un par de decisiones curatoriales en el Whitney tienden a reforzar el pensamiento reflexivo sobre Warhol. Una serie de imágenes sexualmente explícitas, un portafolio de 1979 titulado Sex Parts, se coloca discretamente en el costado de un panel de pared grande y fácilmente se pasa por alto. Esto parece una concesión a la misma homofobia que hizo que Warhol hiciera circular estas imágenes de forma privada. Y el museo ha dedicado una galería en la planta baja, que es accesible al público sin pagar la entrada de $ 25, a los retratos de Warhol. Están colgados al estilo de un salón, del piso al techo, y la cantidad de ellos, así como la variedad tremendamente ecléctica de sus temas (incluido el shah de Irán y RC Gorman, pintor de escenas sentimentales de nativos americanos), subraya el papel pragmático que desempeñaron. en el modelo de negocio de Warhol. Los llamó arte comercial, y el dinero que ganó con ellos ayudó a subsidiar algunas de sus empresas menos lucrativas. Pero dado el entusiasmo con que esta exposición quiere cambiar la conversación sobre Warhol, parece extraño limitar al público que no paga a su trabajo más transaccional y quizás cínico.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.Al igual que las grandes convenciones políticas, las grandes retrospectivas suelen generar energías que a menudo son insostenibles. Después de toda la mezcla para sentirse bien y las promesas de compromiso con una reforma noble, los delegados se van a casa y no hay muchos cambios. ¿Qué quedará después de que termine esta ambiciosa y esclarecedora exposición? El trabajo tardío de Warhol, incluida la Última Cena de camuflaje, las imágenes grandes de Rorschach y la gigantesca y horizontal Sixty Three White Mona Lisas revitalizan nuestra comprensión de sus últimos años, y un conjunto de retratos de drag queens en serigrafía, junto con las imágenes de Sex Parts. , ayudan a disipar el mito del virginal Andy, un merodeador asexuado al margen de la Nueva York gay.
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Pero son los dibujos los que realmente hacen avanzar el proyecto de humanizar al artista, especialmente los que se exhiben en la Academia de Arte de Nueva York. Aquí vemos que trabajar directamente en papel siguió siendo una salida esencial para las energías de Warhol a lo largo de su carrera, no, como sugiere el sitio web de Whitney, un hábito que definió a Warhol antes que Warhol. Sus dibujos son asombrosamente seguros, con solo unos pocos signos de revisión o replanteamiento aparentes en las primeras incursiones de los estudiantes.
Warhol aprovechó el poder del deseo sexual temprano al hacer retratos audaces pero elegantes de hombres (y partes del cuerpo de hombres) en un estilo que recuerda al dibujo de Jean Cocteau, y su intimidad es diferente a casi cualquier otra cosa en el canon de Warhol. Un subconjunto fascinante de este trabajo se ve en las exhibiciones de Whitney y de la Academia: partes del cuerpo, especialmente pies, mezcladas con otros elementos básicos esenciales de Warhol (billetes de un dólar, latas de sopa Campbell) y otros objetos, incluido un biplano de juguete. Otros dibujos sugieren un interés por los grabados japoneses, una mano rápida y segura para dibujar paisajes, así como meditaciones privadas sobre su imaginería pública, incluido el interés tardío en el arma como ícono.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.El panel de texto de apertura en el Whitney incluye una cita de Warhol como epígrafe: Todo el mundo tiene su propia América. . . . Y vives en la América de tus sueños que has hecho a la medida del arte, las tonterías y las emociones tanto como vives en la verdadera. Vale la pena considerar eso seriamente mientras visita estos programas, en parte porque cambia el énfasis de pensar en los Estados Unidos de Warhol a pensar en nuestra propia relación con estos mismos íconos. Pero también incluye una palabra que no se considera mucho en la evaluación del legado de Warhol: emociones. Sí, sabemos sobre arte y schmaltz y los juegos que jugaba eludiendo la diferencia entre ellos. Pero es en los dibujos de la Academia de Nueva York donde uno siente más palpablemente la emoción, y si Warhol nos dice que las emociones son importantes, y que son importantes para su arte, ¿quiénes somos para ignorarlas?
Andy Warhol: de A a B y viceversa Hasta el 31 de marzo en el Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St., N.Y. whitney.org .
Andy Warhol: a mano Hasta el 10 de marzo en la Academia de Arte de Nueva York, 111 Franklin St., Nueva York. nyaa.edu .
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