Este fotógrafo trasciende su medio, convirtiendo el día en noche y el pasado en presente.

Martina y Rhonda de Dawoud Bey, 1993, parte de una serie de obras tomadas con una Polaroid de 20 por 24 pulgadas, combina múltiples vistas tomadas en diferentes momentos de una sesión de retrato en una imagen de múltiples paneles. (Museo Whitney de Arte Americano / Obsequio de Eric Ceputis y David W. Williams / © Dawoud Bey)



Por Sebastián Smee Crítico de arte 21 de abril de 2021 a las 10:00 a.m.EDT Por Sebastián Smee Crítico de arte 21 de abril de 2021 a las 10:00 a.m.EDT

NUEVA YORK - El amor por el arte puede basarse en epifanías conmovedoras o en el pequeño '¡A-ha!' momentos. Recuerdo, por ejemplo, haberme enterado de que muchas de las sombrías fotografías de 'Paris by Night', la visión clásica de Brassai de la vida nocturna parisina de los años 30, fueron tomadas durante el día.



¡Ajá! Yo pensé. ¡¿Usted puede hacer eso?!

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Bueno, si puedes. Eres un artista. Estás jugando con productos químicos en un cuarto oscuro. Puedes hacer lo que quieras.



Night Coming Tenderly, Black, la inquietante serie de 2017 de fotografías de paisajes nocturnos de Dawoud Bey, que lleva el nombre de una línea en un poema de Langston Hughes, también se tomaron durante el día. En lugar de fabricar el glamour sórdido de París, las fotografías de Bey imaginan escenas nocturnas vividas por personas esclavizadas fugitivas en el ferrocarril subterráneo. Algunas de estas grandes impresiones en gelatina de plata (44 por 55 pulgadas) aparecen en su propia galería de una manera concisa e insinuante. encuesta sobre la carrera de Bey en el Museo Whitney de Arte Americano.

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Bey, de 68 años, es principalmente un fotógrafo de retratos con sede en Chicago. Sus retratos son a la vez tan frescos y tan seguros que cuando llegas a la galería Night Coming Tenderly, Black, tu mente está dando vueltas y tarareando como un recién llegado a una fiesta de inauguración. La serie de 2017, sin embargo, no presenta personas en absoluto. Compuesto en y alrededor de Hudson, Ohio, las obras son un paisaje puro con solo atisbos ocasionales de casas y cercas.

Los ingeniosos contrastes tonales de los retratos de Bey se han mezclado en una rica y brillante reducción de tonos grises medios y muy oscuros. Lo que visualizan estas fotografías oscuras y sin gente, escribe en el catálogo el historiador del arte Steven Nelson, es la eliminación del cuerpo negro de la mirada blanca.



Podemos pensar en esto de varias formas. Activando nuestra imaginación histórica, podemos asumir que Nelson se está refiriendo a la cobertura vital que esa noche habría proporcionado a los fugitivos negros. Y, sin embargo, eso puede ser demasiado literal. Después de todo, las fotografías de Bey son inventos sabios, producto de la artimaña del cuarto oscuro. Como ficciones patentadas, registran precisamente lo que no saber sobre el Ferrocarril Subterráneo, que dependía del secreto y era en gran parte indocumentado.

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Estas imágenes oscuras y sensualmente impresas también tienen una calidad atractiva, casi lujosa. Como tales, fomentan una interpretación más poética de desaparecer de la mirada blanca. Está vinculado a la libertad evocada en Dream Variations, el poema de Langston Hughes citado en el título de la serie. Hughes se imagina descansando al atardecer bajo un árbol alto y delgado. . . . La noche llega con ternura / Negra como yo.

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En manos de Bey, en otras palabras, las fotografías de paisajes vacíos y difíciles de ver llegan a parecer conectadas no solo a la historia, sino también a todo un repertorio de sentimientos.

A veces, el mayor regalo que puede recibir un artista es una limitación, un obstáculo. La limitación más profunda de la fotografía es su naturaleza mecanicista, que puede vincularla a una literalidad y una comprensión frágil del tiempo. Fotografias algo en un momento determinado, y ahí está: una fotografía de algo en ese momento. Puede parecer que no hay nada más que decir.

Pero empuje hacia estas supuestas limitaciones, y se pueden abrir cosas interesantes. Bey ha estado haciendo esto a lo largo de su carrera.

Al tratar de revertir la tendencia de la cámara a concentrar el poder en las manos del fotógrafo a expensas del sujeto, Bey se ha sumergido en las comunidades de sus sujetos, acumulando un conocimiento profundo y generando confianza donde otros fotógrafos entrarían y saldrían rápidamente. Se ha asegurado de mostrar su trabajo en los lugares donde lo hizo. Ha mostrado retratos de adolescentes (una clase de personas inusualmente maduras para las proyecciones de los demás) junto con sus propias autodescripciones. Y en una serie de obras notables tomadas con una Polaroid de 20 por 24 pulgadas, ha combinado varias vistas tomadas en diferentes momentos de una sesión de retrato en una imagen de varios paneles.

Muchos fotógrafos han intentado cosas similares. Pocos han sido tan comprometidos o convincentes.

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Recientemente, y de forma más original, Bey ha luchado contra la literalidad de la cámara, su insistencia en mostrar lo que hay, tratando de imaginar con precisión qué no es allí.

Así como no sabemos cómo era el ferrocarril subterráneo, luchamos y no imaginamos a los niños asesinados como los adultos en los que deberían haberse convertido. Bey centró su atención en este problema, que debería perseguirnos a todos, en un cuerpo de trabajo que llamó The Birmingham Project.

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En 1964, cuando Bey tenía 12 años, sus padres fueron a una iglesia bautista en Queens para escuchar hablar a James Baldwin. Trajeron un libro que incluía un fotografía de Frank Dandridge de Sarah Jean Collins, de 12 años, quien, en septiembre anterior, había resultado herida en el atentado con bomba de la iglesia bautista de 16th Street en Birmingham, Alabama. En la fotografía de Dandridge, la cabeza de Sarah Jean está vuelta hacia la cámara, pero sus ojos están cubiertos con vendas blancas redondas.

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Está mi vida antes de esta fotografía, y está mi vida después de esta fotografía, dijo Bey durante una mesa redonda en 2018. Su declaración se hace eco de la famosa doctrina fotográfica de Henri Cartier-Bresson sobre el momento decisivo, que el crítico de arte Peter Schjeldahl describió como esa fracción de segundo cuando el pasado, como preparación ciega, pivota y se convierte en el futuro, como consecuencia que todo lo ve. La fotografía de Collins de Dandridge nos recuerda que algunos momentos decisivos (explosiones de bombas, por ejemplo) no se abren tanto a futuros que todo lo ven como los borran.

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Décadas después de ver la fotografía, salió a la superficie de la conciencia de Bey. Literalmente me senté muy erguido en la cama, dijo, y esa foto. . . vino inundando de nuevo a mí.

Este colapso del pasado en el presente desencadenó el Proyecto Birmingham, que Bey exhibió por primera vez en 2013 en Birmingham, en el 50 aniversario del bombardeo. Las obras de la serie se incluyen en la exposición de Whitney (que fue comisariada por Elisabeth Sherman y Corey Keller de Whitney del Museo de Arte Moderno de San Francisco) y en toda la ciudad en la exposición Grief and Grievance del New Museum. Fueron exhibidos en la Galería Nacional de Arte en 2019.

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Debido a que mató a cuatro niños y a que dos niños más murieron en ataques racistas durante los días siguientes, no hay duda de que el atentado del 15 de septiembre de 1963 fue un momento decisivo. Pero no estaba aislado. Fue la culminación de una larga sucesión de bombardeos.

Según el historiador de arte Nelson, la explosión que mató a la hermana de Sarah Jean, Addie Mae, de 14 años, así como a Denise McNair, de 11, Carole Robertson, de 14 y Cynthia Wesley, de 14, fue la vigésimo primera en Birmingham en el período anterior. ocho años, el séptimo en los doce meses anteriores y el tercero en los once días anteriores.

Al contemplar esto, Bey quiso encontrar una manera de abrir el sobre del tiempo dentro del cual las fotografías suelen estar selladas. Primero fue a Birmingham en 2005 y, durante varios años, hizo viajes de regreso, realizó investigaciones y habló con los residentes en un esfuerzo sostenido por comprender las largas secuelas de ese momento traumático.

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Luego hizo 16 dípticos: 32 retratos. En cada díptico emparejó a niños locales, que tenían la misma edad que los niños asesinados en 1963, con adultos 50 años mayores. Las obras resultantes son a la vez modestas y conmovedoras, arraigadas en el tiempo y el lugar, pero también deliberadamente abiertas a otros tiempos, otras vidas, otras posibilidades. Tocan algo espantoso, pero ofrecen una alternativa a la tendencia de la fotografía hacia la lascivia macabra.

Por supuesto, todavía son solo fotografías. Pero tómate un momento para contemplar el modo único de conmemoración que representan estas imágenes, enfatizando quién no está allí, honrando a los que están, y pronto percibirás cómo un artista, al trascender las limitaciones de un medio, también puede trascender el arte en sí. .

Dawoud Bey: Proyecto americano Hasta el 3 de octubre en el Whitney Museum of American Art, Nueva York. whitney.org .

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