Son mujeres, son negras y no hacen arte sobre eso


Mildred Thompson, 'Magnetic Fields', 1991; Óleo sobre lienzo. (La finca de Mildred Thompson)Por Philip Kennicott Philip Kennicott Crítico de arte y arquitectura Correo electrónico Era Seguir 1 de noviembre de 2017

Una nueva exposición en el Museo Nacional de la Mujer en las Artes confronta dos falsos supuestos incrustados en el mundo del arte. Primero, que las mujeres deben hacer arte femenino, y segundo, que los artistas afroamericanos deben hacer arte figurativo y activista, obras que enfrenten problemas de raza, desigualdad, injusticia y la larga historia de violencia contra los negros.



Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960 to Today se centra en artistas negras que trabajan más allá o fuera de esos dictados. El trabajo incluye abstracciones ardientes hechas con océanos coagulados de pintura y estampados delicados con tonalidades de rosa y tracería refinada. Algunas pinturas estallan de las paredes y dominan el espacio; otras guardan silencio íntimo y acercan al espectador cada vez más a su enigmática reticencia. Pero todos desafían las expectativas estéticas arraigadas en las categorías arbitrarias de raza y género.




Barbara Chase-Riboud, 'Zanzibar / Black', 1974-1975; Bronce negro y lana. (Rodrigo Lobos / Barbara Chase-Riboud / Michael Rosenfeld Gallery LLC)

Como explica un ensayo introductorio al catálogo de la muestra, estos artistas están trabajando en una periferia de una periferia de una periferia. ¿Dónde están estas múltiples periferias? Sin ningún orden de precedencia en particular, considere primero el género y la abstracción. A mediados del siglo pasado, el campo estuvo dominado por hombres que reutilizaron las ideas del siglo XIX sobre el artista heroico y los poderes demoníacos de la expresión emocional. Las mujeres que trabajaban con estilos no objetivos fueron pasadas por alto, marginadas o mal interpretadas. Cuando lograron tener éxito en sus propios términos, a menudo fue porque el lenguaje visual que emplearon reflejó expectativas sobre sus cuerpos y su comportamiento, gestos pequeños y delicados, colores apagados o formas repetitivas que calmaron la vista. Hubo excepciones, por supuesto, pero las excepciones reforzaron las expectativas tradicionales de la forma habitual en que el poder se defiende: ¿Nos acusan de excluirlos o marginarlos? Bueno, este ejemplo solitario de lo contrario socava su acusación.

A continuación, considere la raza. El marco de tiempo abarcado por esta exposición rastrea la historia del arte desde el punto más alto del movimiento de derechos civiles en la década de 1960 hasta el movimiento Black Lives Matter de nuestro tiempo. Muchas de las mujeres incluidas aquí se resistieron al tirón de hacer arte que era explícitamente político o directamente sobre la experiencia negra. El arte abstracto a menudo se veía en términos raciales, como una forma de élite practicada por artistas blancos. Se esperaba que los artistas negros meditaran sobre ideas negras, utilizando un lenguaje visual derivado de ideas sobre las raíces africanas de la experiencia afroamericana o de la diáspora.



[La Galería Nacional analiza 10 Vermeers en el contexto de los compañeros del artista]

Mildred Thompson, uno de los mejores artistas de esta exposición, no aceptaría nada de eso. Copiar símbolos que uno no comprende, hacer uso deliberado de una forma que uno no sabe analizar ni apreciar fue para mí el colmo de la prostitución, dijo. Y ella no estaba dispuesta a ceder la abstracción a artistas de élite: fue quizás porque había vivido y estudiado con 'blanquito' que había aprendido a apreciar mi negritud.

Es una poderosa declaración de independencia, y una que constantemente es desafiada por los arraigados hábitos de críticos, curadores, académicos, coleccionistas y público.



Entonces, el arte incluido se siente asertivo, demostrativo, directo y sin complejos. Pero más allá de esa sensibilidad compartida, ¿existen vínculos entre estas obras? ¿Hay afinidades de estilo o detalle que vinculen una sola obra a las 40 que hay otras a la vista? ¿Hay algo para llevar que trasciende al artista individual?

Este es un territorio peligroso. Una vez que comienzas a buscar esos enlaces, corres el riesgo de limitar exactamente lo que los artistas han tratado de preservar: la individualidad y el contenido expresivo sui generis de cada obra.

deportes mas populares en canadá

Y, sin embargo, parece haber rastros de similitud o parentesco, especialmente en la forma en que varias obras expresan un sentido de escisión o división. Quizás esto capte cómo funciona el poder sobre nosotros, la forma en que crea división no solo entre grupos sociales sino en nuestro sentido de identidad. El poder nos dice lo que deberíamos ser, independientemente de quiénes seamos realmente. Nos separa de nuestra dignidad innata y estampa su propio precio en nuestras ideas, nuestros dones, nuestras contribuciones.


Shinique Smith, 'Whirlwind Dancer', 2013-17; Tinta, acrílico, papel y collage de tela sobre lienzo sobre panel de madera. (Galería E. G. Schempf / Shinique Smith / David Castillo)

En una composición amplia y dinámica de Shinique Smith, Whirlwind Dancer, el escote es físico. Al principio, la pintura parece representar un objeto único y unificado, una especie de vórtice o torbellino que ha absorbido el material y los detritos de medio siglo de pintura en una expresión ondulante y ondulante de energía pura. Pero en realidad se trata de dos lienzos unidos y, a medida que estudia esa costura, se da cuenta de que las líneas o formas cruzan la división solo en unos pocos lugares. Esta metáfora de una energía que es completa a pesar de estar esparcida a través de una brecha o fisura es la esencia del poder de la obra.

Una escultura de Barbara Chase-Riboud, cuyas estelas de bronce y tela están a la vista en la Galería Michael Rosenfeld en Nueva York este otoño, está dividida horizontalmente, con una falda de tela que parece soportar el enorme peso de un torso de bronce. La estatua representa un diálogo que muchas personas sienten internamente, entre un miedo primordial de que todo se derrumbe y una sensación estimulante de que, de alguna manera, estamos logrando mantenerlo suspendido en el éter de la nada.

[La Galería Nacional de Retratos selecciona artistas para pintar los retratos de Obama]

Jennie C. Jones está representada por un trabajo que utiliza paneles acústicos para crear abstracciones clásicas y minimalistas. Pero los paneles acústicos traen consigo indicios de silencio, y una dicotomía no muy diferente a la sugerida por la obra de Chase-Riboud: ¿Se trata del silencio, que es el lienzo sobre el que se escribe la música y una fuerza espiritual liberadora, o el acto de ser silenciado, ¿cuál es la primera y fundamental estrategia del poder?


Howardena Pindell, Sin título, 1972-73. (Galería Howardena Pindell / Garth Greenan)

Estas dicotomías se extienden por toda la exposición. En una obra particularmente impresionante, una pintura sin título de 1972-73 de Howardena Pindell, el lienzo está cubierto de pequeños puntos del mismo tamaño que los pequeños trozos de papel redondos que quedan cuando se usa una perforadora de papel. En otro trabajo, utiliza los trozos de papel circulares reales mezclados con pintura para crear un trabajo autobiográfico de forma extraña que hace referencia al tiempo que pasó en Japón. Pero en la pintura acrílica sin título, ha pintado meticulosamente su trazo bidimensional, sobre un lienzo que incluye un patrón ilusionista de arrugas, como si todo hubiera sido metido en un armario o dejado tirado en el suelo, desatendido, hasta imperfecciones. tomó forma. Es un trabajo complejo que inicia la mente en una cadena de preguntas: ¿quién hizo estos puntos, quién golpeó el papel y con qué propósito, y qué estaba escrito en las páginas del papel que fue perforado? - que en última instancia apuntan a la idea de texto o documento que se nos está ocultando.

Ésta es la cuestión a la que debe enfrentarse rigurosamente el poder: ¿Qué se nos niega? Esta exposición es una respuesta práctica y pragmática a la pregunta. Pero, por supuesto, la pregunta plantea otra: ¿Qué nos ocultamos a nosotros mismos?

Campos magnéticos: expansión de la abstracción estadounidense, desde la década de 1960 hasta la actualidad está a la vista en el Museo Nacional de Mujeres en las Artes hasta el 21 de enero. Para obtener más información, visite www.nmwa.org.

Recomendado