Sarah Vaughan finalmente obtiene la biografía que se merece

Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan es parte del triunvirato de los vocalistas de jazz clásico. Juntos sentaron las bases del canto de jazz contemporáneo y, como tal, ayudaron a dar forma a toda la música popular.

Holiday ha sido objeto de varias biografías importantes, y hay al menos un tomo autorizado dedicado a Fitzgerald, y pronto le seguirá otro largamente esperado. Pero Vaughan no ha inspirado la misma atención, lo que hace que Reina del Bebop , de Elaine M. Hayes, tanto más necesario como emocionante. Este examen exhaustivo de la vida y obra de Vaughan se beneficia del conocimiento técnico de la música de Hayes y de su exhaustiva investigación sobre el contexto histórico.

Sin embargo, en cierto sentido, Queen of Bebop es un título engañoso. Limita el alcance de la música de Vaughan y la exploración real de su carrera en el libro. Aunque Vaughan se estableció como una innovadora vocalista de bebop, pasó gran parte de su vida tratando de liberarse de las limitaciones de la categoría. Hayes documenta este viaje con minucioso detalle. Después de haber recopilado una gran cantidad de material, organiza su presentación en torno al concepto de crossover, como una forma de honrar la flexibilidad de Vaughan como intérprete y la amplitud de su carrera. Después de ese viaje cruzado, se obtiene una narrativa sólida que documenta las luchas, los triunfos y el éxito sin precedentes de Vaughan como diva sinfónica, cantando jazz en lugares previamente reservados para la música clásica y la ópera.

Como niña de coro de Newark, Vaughan ganó la famosa Amateur Night de Apollo y realizó una gira con Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Billy Eckstine. Después de su aparición en el Ayuntamiento de Nueva York en 1947, los críticos se dieron cuenta y la identificaron como la portadora de algo nuevo. Aquí estaba una vocalista que, como sus compatriotas que tocaban instrumentos, transformó el jazz del dominio del swing al reino de un arte elevado, abstracto y complejo a través del bebop. Para Hayes, esto marcó la primera fase del viaje de Vaughan desde la oscuridad hasta el cruce.

Si bien es útil para organizar una narrativa lineal de la carrera de Vaughan, una de las lamentables limitaciones de este enfoque es una devaluación del llamado período oscuro. El hecho de que Vaughan fuera desconocido para los fanáticos blancos de la música popular no significa que Vaughan languideciera en la oscuridad. Su maestría musical fue ampliamente reconocida y apreciada en las comunidades que más valoraban la forma de arte. Además, como señala la propia Hayes, cuando Vaughan cruzó, amplió el paladar sonoro del público estadounidense, presentándoles todo lo nuevo y moderno a través de su canto sofisticado y vanguardista.

Vaughan, que comenzó como pianista, aportó a su canto un conocimiento de la estructura armónica subyacente de la música. Realmente soy cantante, dijo una vez. Ojalá pudiera tocar el piano como creo, pero no puedo. Mis dedos. Mi mente. Canto más rápido. Puedo pensar lo que estoy pensando y cantarlo, pero no puedo tocarlo. A pesar de sus vastas posibilidades, el piano era demasiado limitante para la creatividad de pensamiento rápido de Vaughan. Su voz fue el único instrumento que le permitió expresar el rango completo, el tono y la profundidad de lo que escuchó en su cabeza.

Además de sus perspicaces discusiones sobre el genio técnico de Vaughan, Queen of Bebop también examina los tiempos en los que trabajó. Nacido en 1924 en Newark, Vaughan fue un hijo de la Gran Migración y vivió bajo la dolorosa realidad de Jim Crow America. Sus padres se fueron al norte de Virginia en busca de mayores oportunidades económicas y libertad política. Sin embargo, el Newark al que se mudaron tenía una historia establecida de segregación racial y opresión, que dio forma a las experiencias de Vaughan como artista joven. En la gira, ella y sus compañeros de banda se encontraron con una indignidad tras otra.

Si bien todos los músicos con los que viajó enfrentaron violencia racial, Vaughan también enfrentó violencia de género. Sus colegas la golpearon. Era un precio muy alto a pagar por la entrada al club de chicos de instrumentistas de jazz. Pero estas condiciones tanto en Newark como dentro de las bandas de Earl Hines y Billy Eckstine proporcionaron a Vaughan oportunidades para perfeccionar sus habilidades naturales y experimentar dentro de una comunidad que apreciaba la invención. Las audiencias negras y los fanáticos del jazz y los DJ blancos fueron fundamentales para asegurarse de que un público más amplio la escuchara.

Pero si las comunidades que produjeron a Vaughan fomentaron la innovación, el mundo en el que buscaba entrar hizo todo lo contrario. Hayes hace un trabajo especialmente bueno al explicar el panorama musical de la América blanca de posguerra. En la segunda fase de su crossover, Columbia Records contrató a Vaughan y asignó a Mitch Miller para producir sus discos. Hayes identifica correctamente a Miller como comprometido con el comercialismo. Produjo éxitos para otros artistas con canciones novedosas y melodías étnicas estereotipadas, una estrategia que limitaba a los artistas tanto en blanco como en negro pero satisfacía los gustos del público de la música pop. Mitch Miller no lo sabía. . . cómo no utilizar la raza (o la etnia) como un dispositivo novedoso, escribe Hayes. Estaba en sintonía con los blancos, la corriente principal de Estados Unidos, pero luchó por presentar las creaciones de artistas negros de una manera que no fuera estereotipada ni reductiva.

Vaughan se resistió tanto al descarado comercialismo de Miller como al anti-comercialismo de los puristas del jazz abriéndose camino. Llevó su música a lugares inimaginables para los vocalistas de jazz anteriores. Al final de su carrera, especialmente con el éxito de su interpretación de Send in the Clowns de Stephen Sondheim, Vaughan emergió como una artista singular que fusionó su base de jazz, sus aspiraciones de música popular y su deseo por el respeto ofrecido a las divas de la gran ópera. .

Aunque Hayes se centra correctamente en la música de Vaughan, no pasa por alto los antiguos gustos de Vaughan por la cocaína y la marihuana, o su desafortunado patrón de convertir a sus maridos, a menudo abusivos, en sus gerentes a pesar de su falta de perspicacia y experiencia para los negocios. Pero aunque el consumo de drogas y las malas relaciones son una realidad, no dominan la presentación que hace Hayes de la vida de Vaughan; no quitan la centralidad y enormidad de su talento y contribución musical. Esto es como debería ser. Queen of Bebop modela una forma de entender la vida y el arte de los músicos de jazz, una que establece su importancia y centralidad en la creación de lo mejor que Estados Unidos ha ofrecido al mundo.

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Farah Jasmine Griffin es profesor de inglés, literatura comparada y estudios afroamericanos en la Universidad de Columbia en Nueva York.

Por Elaine M. Hayes

Aquí estás. 419 págs. $ 27,99