Ornette Coleman, cuyas interpretaciones de free jazz fueron elogiadas y condenadas en igual medida, pero que llegó a ser reconocida como una de las fuerzas más originales e innovadoras de la música moderna, recompensada al final de su carrera con el Premio Pulitzer y un premio Grammy a su trayectoria, murió. Jueves en la ciudad de Nueva York. Tenía 85 años.
Su muerte fue anunciada por un publicista, Ken Weinstein. La causa no fue revelada.
El Sr. Coleman fue un saxofonista alto y compositor que emergió de la oscuridad en 1959 con el álbum The Shape of Jazz to Come, que tuvo un efecto revolucionario. Con su banda, que incluía a varias estrellas futuras, abandonó la estructura tradicional del ritmo y la armonía del jazz para crear una estética poco ortodoxa de libertad musical.
En 1960, el Sr. Coleman lanzó un álbum llamado Free Jazz, en el que tocaron dos grupos separados al mismo tiempo. La frase llegó a representar una nueva escuela musical marcada por un sentido de improvisación espontáneo, a veces frenético, y el Sr. Coleman fue visto como su principal practicante.
Finalmente, describió su trabajo como armónica: una combinación de armonía, movimiento y motivos melódicos en una música fluida y sin ataduras que evoluciona a partir de una idea central.
Ornette Coleman actuando en 2006. (Martial Trezzini / EPA) En la mayoría de los escenarios de jazz, le dijo al periódico Independent de Londres en 1993, siempre ha estado la persona que está al frente y los otros lo respaldan, como un cantante. Pero en harmolódica, todo el mundo pasa al frente.
Entre 1958 y 1962, el Sr. Coleman lanzó 10 álbumes que tuvieron una profunda influencia en músicos de jazz como John Coltrane, Eric Dolphy, Archie Shepp y Albert Ayler, así como en artistas posteriores, incluidas bandas de punk y compositores clásicos. Varias de sus primeras composiciones, incluidas Paz , Mujer solitaria y Giro de vuelta , se han convertido en estándares del jazz.
Sin embargo, desde el principio, no hubo puntos de vista neutrales del Sr. Coleman y su música: se lo consideraba un genio profético o un charlatán.
Ningún músico ha revolucionado tanto al establishment del jazz como Coleman, escribió el crítico Gary Giddins en el New Yorker en 2008. Incluso ahora. . .Escuchar a Coleman puede ser una experiencia estimulante para los no iniciados.
Muchas personas, incluidos sus compañeros músicos, no podían captar los sonidos que doblaban los límites, a menudo disonantes, que provenían del saxofón de Coleman y sus compañeros de banda. Después de una actuación, el baterista Max Roach supuestamente le dio un puñetazo en la boca. El trompetista Miles Davis cuestionó abiertamente la cordura del Sr. Coleman. Otra estrella del jazz, el trompetista Roy Eldridge, dijo a la revista Esquire en 1961: Creo que está bromeando, cariño.
Pero Coleman también tenía muchos admiradores, incluido el director y compositor Leonard Bernstein, así como el escritor y compositor clásico Virgil Thomson. El pianista John Lewis, fundador del Modern Jazz Quartet, calificó al Sr. Coleman como el músico de jazz más importante desde Charlie Parker.
Con el tiempo, Coleman llegó más allá del jazz a otras formas musicales como una vanguardia unipersonal. De vez en cuando tocaba la trompeta y el violín y, en las décadas de 1970 y 1980, comenzó a explorar estilos electrónicos y funk. Compuso para varios pequeños conjuntos de jazz y grupos de cámara. Su composición sinfónica de 1972, Cielos de america , ha entrado en el repertorio clásico.
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Ver fotosUna mirada a los que han muerto este año.Pie de foto Una mirada a los que han muerto. Espere 1 segundo para continuar.El Sr. Coleman tomó prestado de varias tradiciones internacionales, incluido el mariachi mexicano y la música folclórica marroquí. Actuó en concierto con los Grateful Dead, lanzó un álbum con el guitarrista Pat Metheny y participó en festivales europeos y japoneses dedicados a su
música.
Tardíamente encontró aceptación en los Estados Unidos, evidenciada por múltiples conciertos. en el Lincoln Center de Nueva York. Fue nombrado maestro de jazz por el National Endowment for the Arts en 1984 y recibió una beca de genio de la Fundación MacArthur en 1994.
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Su álbum de 2006, Gramática del sonido , que se basó en fuentes tan diversas como Igor Stravinsky y el blues, recibió el Premio Pulitzer de composición musical en 2007. El mismo año, Coleman fue honrado con más de 30 músicos en el Kennedy Center como leyendas vivas del jazz.
También recibió un Grammy por su trayectoria, a pesar de que ninguna de sus grabaciones recibió un título individual.
Grammy.
Como los mejores revolucionarios, escribió el crítico de jazz Whitney Balliett en el New Yorker en 1965, era un intelectual disfrazado de primitivo. Era un músico en gran parte sin formación que, de un salto, pasó directamente del pasado (Charlie Parker, country blues, rock-and-roll) a lo desconocido.
Randolph Denard Ornette Coleman nació el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth. Él era un niño cuando murió su padre, y su madre era costurera y trabajadora doméstica.
Comenzó a tocar el saxofón en su adolescencia y, según el biógrafo John Litweiler, fue reprendido por improvisar durante la presentación de la banda de su escuela de la marcha Livingmax de John Philip Sousa.
El Sr. Coleman se unió a grupos itinerantes de rhythm and blues en su Texas natal y, incluso en su adolescencia, buscó ser iconoclasta en su música y su apariencia. Ya en 1950, llevaba el pelo hasta los hombros y tocaba solos poco convencionales que provocaban confusión y consternación en los oyentes. Después de una actuación en Luisiana, según los informes, una turba lo golpeó, cuyos miembros arrojaron su saxofón por un acantilado.
A principios de la década de 1950, Coleman se instaló en Los Ángeles, donde trabajó como ascensorista y se embarcó en un estudio independiente de música. Su saxofón alto estaba hecho de plástico. Cuando trataba de participar en las sesiones de improvisación, los músicos más establecidos se burlaban o ignoraban a Coleman.
Pero perseveró, encontrando formas de producir microtonos en su saxofón que desafiaban las nociones estándar de tono y clave.
Quizás el principal impedimento para una mayor popularidad, escribió Giddins en el New Yorker, es la misma cualidad que centra su logro: el sonido crudo, áspero, vocalizado y con un tono extraño de su saxofón alto. Considerado de manera única y radiantemente hermosa por los fanáticos, no se parece a ningún otro sonido dentro o fuera del jazz.
De voz suave pero discretamente persuasivo en su enfoque de la música, el Sr. Coleman reunió a un grupo de músicos de ideas afines, incluido el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y los bateristas Ed Blackwell y Billy Higgins, quienes formaron el núcleo de sus primeras bandas.
Aunque el Sr. Coleman recibió la primera beca Guggenheim para composición de jazz en 1967, luchó durante años para ganar reconocimiento. No fue hasta la década de 1980 que se estableció firmemente, con festivales, documentales y homenajes musicales que conmemoran sus logros.
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Su matrimonio con la poeta Jayne Cortez terminó en divorcio. Su hijo, Denardo Coleman, se convirtió en el baterista de su padre a la edad de 10 años y trabajó con él hasta el final. El Sr. Coleman continuó escribiendo e interpretando música hasta poco antes de su muerte.
Pudo haber sido el padre del free jazz, pero su concepción de la música era más controlada que los blips y chillidos sin canalizar que más tarde se convirtieron en sinónimo del estilo. Había algo conscientemente compuesto y decidido en la música del Sr. Coleman, incluso cuando fluía en direcciones inesperadas.
Nunca escribió para las masas, pero la extraña belleza de su música continúa ejerciendo una influencia inquietante y cada vez más profunda sobre el sonido de nuestro tiempo.
Cuando no está en sintonía con el resto del mundo musical, escribió Giddins sobre el Sr. Coleman, siempre está en sintonía consigo mismo.
