La Galería Nacional de Arte ofrece una rara oportunidad de ver bronces griegos antiguos

Los antiguos atenienses consideraban bárbaros a la mayoría de los demás, y ese esnobismo nos ha llegado a lo largo de los eones. Cuando pensamos en la civilización griega, pensamos en la Edad de Oro de Atenas en el siglo V a.C., en Esquilo y Sófocles, y en estadistas como Pericles, cuya oración fúnebre sonaría casi traidora para muchos estadounidenses de hoy: Abrimos nuestra ciudad a mundo, y nunca por actos ajenos excluir a los extranjeros de cualquier oportunidad de aprender u observar, aunque los ojos de un enemigo puedan ocasionalmente beneficiarse de nuestra liberalidad. . . .





La era helenística llegó más tarde, marcada por las conquistas de Alejandro Magno, un macedonio que todavía se recuerda un poco como Napoleón, un advenedizo brillante y despiadado. Aunque el imperio de Alejandro pudo haberse derrumbado después de su muerte, los fragmentos de lo que quedó llevaron adelante la cultura griega, a menudo en una feroz competencia cultural entre sí, cada uno reclamando el patrimonio griego y superándolo con virtuosas innovaciones. Y, sin embargo, el legado helenístico sigue siendo un poco sospechoso, demasiado extravagante y exagerado si se lo juzga por los estándares de Atenas en su cúspide del poder.



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Una exposición en la Galería Nacional de Arte, Poder y patetismo: escultura de bronce del mundo helenístico, ofrece lo que probablemente sea una oportunidad única en la vida para estudiar un aspecto esencial de la era helenística. En todo el mundo, hay menos de 200 bronces supervivientes de las épocas helenística y clásica, y aproximadamente una cuarta parte de ellos están en exhibición. Entre ellos se encuentran algunas de las obras de arte más conmovedoras y celebradas de cualquier época, incluido un Apoxyomenos (atleta con herramienta para raspar) del Kunsthistorisches Museum de Viena, el asombroso Sleeping Eros del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y una cabeza de caballo que una vez Perteneció a Lorenzo el Magnífico, el gobernante de 'Medici, y fue admirado por Donatello y Verrocchio.

Vaya ahora y vuelva muchas veces antes de que la exposición cierre el 20 de marzo. Si se desespera por el mundo que hemos creado, retírese aquí. Cualquier trabajo es un tónico; colectivamente son una maravilla.



El título de la exposición hace referencia a la innovación esencial de los artistas helenísticos, la extensión de la escultura de un repertorio limitado de cuerpos ideales a un lenguaje más expresivo, naturalista e individualizado. Los escultores nunca dejaron de representar la serenidad de los dioses y la perfección de la juventud, sino que también incluyeron a los ancianos y enfermos, a los ansiosos y cansados, a los inquietos y pensativos. Junto a Apolo y Atenea aparecieron imágenes de artesanos, poetas y aristócratas malhumorados, en toda su gloria carnosa, barriguita y libertina.

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Artista desconocido (Bronce helenístico). Dancing Faun (Pan), c. 125-100 AC. (Archivo de derechos de autor del arte, Luciano Pedicini)

Aunque el mármol era el medio preferido para representar el ideal, especialmente los dioses, el bronce se convirtió en el medio preferido para hacer imágenes de humanos comunes. Era capaz de formas más atrevidas que el mármol. El cabello se puede rizar lejos de la cabeza, los brazos se pueden representar extendidos sin soportes. También fue posible hacer múltiples moldes de la misma forma, por lo que se hicieron miles de bronces en todo el mundo griego y romano temprano, y se pudieron encontrar incluso en las periferias de lo que entonces se consideraba civilización.

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Para tener una idea sorprendente de cómo los artistas helenísticos usaron la forma, dedique algún tiempo a una escultura conocida como el Fauno Danzante. Esta es la misma figura que dio nombre a la Casa del Fauno en Pompeya, y él, como tantas otras obras de la muestra, existe hoy porque en algún momento de la historia se perdió, en un accidente o naufragio, o el derrumbe de un edificio, o en este caso, la erupción del Vesubio.

Los diseñadores de la exposición han colocado hábilmente al Fauno Danzante de modo que esté flanqueado por dos estatuas de bronce de Apolo, y Apolo no podría ser más diferente de la figura de Pan engreída y embelesada perdida en la lasciva dicha. Los Apolos, aunque ambos de origen helenístico, se remontan a una tradición arcaica más antigua. Son rígidos y relativamente inexpresivos, y sus rostros son genéricamente hermosos pero sin rasgos individuales. Se hicieron para apelar al interés continuo en las formas griegas más antiguas, prueba de la amplitud del gusto y el interés por el historicismo. Quizás fueron creadas para el público de finales de Grecia y principios de Roma de la misma manera que algunas personas colocan obras recién pintadas en un falso estilo de la época colonial sobre la chimenea.

El Fauno es una obra espectacular, desde su pequeña y alegre cola (el tipo de cosa que sería imposible de hacer en mármol) hasta sus trenzas coronadas de bellotas y salvajemente descuidadas. Pero también es curiosamente lúdico e inquietante al mismo tiempo. Su cuerpo es joven y ágil, mientras que el rostro parece más viejo y está marcado por una vida de lo que más temían los griegos: el exceso, la extremidad y la locura. Es una figura compuesta, que une tanto el ideal como la destrucción de la belleza.

Una pequeña estatua del cansado Heracles es en cierto modo similar. El héroe musculoso está apoyado por su garrote sobre el que se cubre la piel del león de Nemea. Su brazo izquierdo está posicionado de manera incómoda sobre la parte superior del club, y su rostro y su mirada se vuelven hacia abajo para mirar la herramienta y la recompensa de su trabajo. El garrote y la piel de león, sin embargo, deforman la perfección de su físico, haciéndolo parecer desproporcionado y ligeramente grotesco. Él. también, es una figura compuesta, hijo de Zeus y la mortal Alcmena, y está atrapado en un momento de contradicción: éxito y agotamiento, realización y agotamiento. La obra tiene una especie de energía circular que comienza con sus ojos, fluye a través de su club y regresa por el lado derecho del cuerpo, para formar un bucle de significado, una recreación interminable de cómo los seres humanos son tan a menudo aplastados por el mismísimo. la grandeza que buscan.

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Esta exposición es la tercera iteración de una muestra que comenzó en marzo en el Palazzo Strozzi en Florencia y viajó al Museo Getty en Los Ángeles. Es marcadamente diferente del espectáculo presentado en el Getty, que incluyó una pieza impresionante, un boxeador sentado, que tuvo que ser devuelto a Roma antes de que pudiera viajar aquí. El Getty también incluyó una asombrosa yuxtaposición de dos versiones de bronce de los Apoxyemenos y una versión de bronce y mármol del Spinario (niño quitándose una espina de su pie). En lugar de esas obras, la National Gallery ha sustituido a otras, incluido un magnífico Running Boy de la Villa dei Papiri en la antigua ciudad de Herculano y una encantadora estatua de Artemisa y un ciervo (el ciervo la mira con inteligencia y fidelidad de un perro). La pérdida del Boxer es particularmente lamentable, dado lo perfectamente que representa la idea del patetismo, pero eso estaba más allá del control de la galería.

La exposición de la Galería Nacional se siente más íntima, y ​​si hay menos factor sorpresa, hay momentos de conexión particularmente maravillosos. Se ve una pequeña estatua de Alejandro a caballo frente a una reproducción de un detalle del mosaico de Alejandro, otro tesoro encontrado en la Casa del Fauno de Pompeya. Si te paras en la puerta que une la tercera y cuarta habitaciones, puedes ver una estatua de un niño envuelto en un manto, sosteniéndolo cerrado con sus manos. El chico se ve malhumorado y triste, un adolescente en un funk adolescente. En la otra dirección está el torso y la cabeza de un hombre, encontrado en el mar Adriático en 1992. Es musculoso y voluminoso y parece fruncir el ceño, y su expresión, ¿es autoritaria o brutal? decisivo o megalómano? - es desconcertante. Hay algo de matón en él.

Puede tener la sensación de que el chico de la capa podría convertirse en el hombre con la energía demoníaca de la otra habitación. Y, sin embargo, eso es poco probable. La estatua del niño fue probablemente un monumento funerario, un detalle que disuelve su petulancia en nuestra lástima. Sus manos, ocultas por el manto, se convierten en cierto sentido en un marcador de su eliminación del mundo. Juntos, sentimos dos estados diferentes de estar en el mundo, lidiando con él o encogiéndonos en nuestro propio rincón delimitado.

Algo parecido a las energías circulares del cansado Heracles, el diálogo entre estas dos figuras es cautivador: juventud y madurez, vida y muerte, ser temible y estar asustado. Puedes sentirte como John Keats al contemplar una urna antigua: Tú, forma silenciosa, nos sacas del pensamiento / Como lo hace la eternidad.

Poder y patetismo: la escultura de bronce del mundo helenístico se exhibirá en la Galería Nacional de Arte hasta el 20 de marzo. Para obtener información, visite www.nga.gov .

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