A. Eva y Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016 (Eva y Franco Mattes / Postmasters Gallery y Team Gallery)
Por Philip Kennicott Crítico de arte y arquitectura 8 de abril de 2019 Por Philip Kennicott Crítico de arte y arquitectura 8 de abril de 2019
SAN FRANCISCO - Al final de la exposición Snap + Share, los visitantes del Museo de Arte Moderno de San Francisco verán un pequeño gato mirándolos desde un agujero rectangular toscamente cortado en el techo. Se trata de Ceiling Cat, una obra de 2016 de Eva y Franco Mattes, que han utilizado un gatito de taxidermia para recrear uno de los memes más populares y persistentes de Internet: una imagen del felino acompañada de variaciones de la frase Ceiling Cat te está mirando. . . .
El meme original de Ceiling Cat surgió hace más de una década, con el lema Ceiling Cat te está mirando masturbarte. Pero se ha transformado y evolucionado con la rapidez habitual de la cultura online. Entre las muchas iteraciones está Ceiling Cat como Dios el Creador, hablando en la traducción del meme lolcat de la Biblia: Al principio, no tiene lyte. Un gato de techo dice, ¿puedo hacer lite? Un lite wuz.
Como varias otras obras de la exposición, la escultura Mattes hace físico algo que existe principalmente en el entorno ingrávido y libre de sustancias de Internet. Captura tanto la alegría de la cultura que ha evolucionado en torno a la captura y el intercambio de imágenes, especialmente los memes, como sugiere el lado más oscuro de la vigilancia y el control latente en nuestras redes sociales. También es la principal imagen de marketing de la exposición, y quizás uno de los pocos pasos en falso en la curaduría de esta exposición esclarecedora y estimulante.
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En caso de que se pierda Ceiling Cat (que es pequeño y está por encima del nivel de los ojos), el museo tiene una pequeña nota en la pared: vea la obra de arte en el medio del techo en esta galería. Las fotografías no solo están permitidas, sino que también se recomiendan. Con eso, un poco de distancia crítica se rompe, y lo que de otra manera se estaba examinando desapasionadamente, cómo nuestros hábitos de transmisión de imágenes han evolucionado durante el último siglo y medio, de repente se siente más como un juego que estamos obligados a jugar. La invitación a participar, a tomar una foto de Ceiling Cat, no se siente bien, especialmente dada la tensión fundamental que se desarrolla en este programa, entre participación y conformidad.
Pero, por supuesto, ningún museo en el planeta hoy en día emprendería un espectáculo sobre memes, instantáneas y redes sociales sin esperar que todos lo instalen en Instagram, lo etiqueten en Twitter e inunden Facebook con selfies. La resistencia es inútil.
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Concebida por Clément Chéroux, el curador principal de fotografía del museo, la exposición conecta nuestro momento actual con una historia más larga y complicada de difusión de imágenes. Comienza en el siglo XIX, con la aparición de la postal, que a principios del siglo XX en Francia abrumaba el sistema postal de ese país con unas 173.000 tarjetas enviadas cada día. En la década de 1930, las fotografías también viajaban regularmente a través de cables, y los servicios de cable traían las noticias del mundo, incluidas las guerras, los desastres y otras miserias, a nuestras salas de estar, colapsando la distancia y el tiempo de tal manera que el mundo parecía casi instantáneamente disponible y dolorosamente íntimo. .
A mediados del siglo XX, las postales en color y la fotografía popular hicieron que los íconos del turismo del mundo fueran tan familiares como los establecimientos de comida rápida, que circularon a través de incontables millones de imágenes de colores brillantes. Y se incluyen en la exhibición el teléfono plegable Motorola, la computadora portátil Toshiba y la cámara digital Casio que el inventor francés Philippe Kahn usó para enviar lo que probablemente sea la primera imagen de la cámara de un teléfono celular a una gran red de personas. La granulada fotografía digital de 1997 de su hija, nacida solo unos minutos antes, fue recibida por una audiencia de unas 2.000 personas.
¿Qué cambió realmente con esta revolución en la creación de imágenes, que hizo que las imágenes estuvieran disponibles instantáneamente para miles, o ahora miles de millones, de personas? En muchos sentidos, nada. La gente ha estado enviando imágenes por correo desde casi la invención de la fotografía, y hemos estado distribuyendo imágenes de nosotros mismos mucho antes de la invención de la palabra selfie. Peter J. Cohen, un coleccionista que se ha centrado en instantáneas y fotografías vernáculas, ha reunido una amplia y variada gama de imágenes en las que la gente ha escrito la palabra yo junto a una fotografía, presumiblemente de ellos mismos. Estos abarcan décadas de fotografía en blanco y negro y sugieren una coherencia persistente y nada sorprendente en nuestra relación con las fotografías: las usamos para afirmar nuestra existencia, para marcar nuestro lugar en el mundo. Eso no ha cambiado incluso a medida que han evolucionado los medios para crear y distribuir imágenes.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.Los artistas tampoco descubrieron ideas sobre las redes sociales y la circulación de imágenes con la invención de Facebook y otros espacios sociales en línea. El movimiento de arte por correo, en el que los artistas utilizan el correo para crear patrones de circulación independientes de los museos o galerías tradicionales, e invitan a la creación de imágenes colaborativas, es muy anterior a nuestro mundo de instantáneas y compartimientos del siglo XXI. Algunas de las obras visualmente más evocadoras de la muestra son del artista alemán Thomas Bachler, quien creó pequeñas cámaras estenopeicas en cajas de cartón y las envió a través del sistema de correo alemán, donde registraron pasivamente fotografías espectrales y accidentales. Son inquietantemente hermosas y se parecen un poco a imágenes médicas, borrosas y grises con extraños tubos, líneas e hilos de material aparentemente orgánico que las atraviesan.
Pero de otras formas, el cambio es enorme y tan generalizado que es casi imposible evaluarlo. El conocido trabajo de instalación de Erik Kessels 24HRS in Photos está hecho de montones gigantes de fotografías impresas extraídas de 24 horas de subidas en las redes sociales. Se ha vuelto a montar para esta exposición, creando una sala llena de cuadros amontonados en el suelo y trepando por las paredes. Parece ominoso al principio, una advertencia de la gran avalancha de imágenes que son posibles gracias a las cámaras de los teléfonos móviles y la fotografía digital. Pero también es curiosamente encantador, con las fotografías que se niegan a ser basura, y atrae la mirada hacia gente hermosa, playas soleadas, niños jugando y todo el resto de la vida cotidiana que nunca dejamos de documentar y exponer.
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No es solo el volumen de imágenes lo que ha cambiado. Las personas, especialmente los jóvenes, ahora hablan o conversan en imágenes, enviando imágenes en lugar de palabras, para expresar sus pensamientos y sentimientos. Y hay una creciente conciencia de cómo nuestra dependencia de los teléfonos inteligentes se está volviendo patológica, una adicción que dispersa la atención y desperdicia nuestra relación con cosas y personas reales. La artista Kate Hollenbach insinúa los cambios psicológicos que esto implica en un trabajo de video llamado phonelovesyoutoo, en el que manipuló su teléfono para grabar un video de ella cada vez que interactuaba con él, para consultar el correo o navegar por la Web o usar su función de GPS. El resultado es una matriz de pequeños videos del mismo rostro, en espacios claros y oscuros, mañana, mediodía y noche, en la cama, en la calle, caminando por los edificios, una forma autoimpuesta de vigilancia inversa. La valencia emocional de esta cuadrícula de imágenes del tamaño de una habitación es de nerviosismo, inquietud, inquietud, energía no dirigida y disonancia.
Luego está Ceiling Cat, que viene justo después del evocador video de Hollenbach. Es un buen iniciador de conversación para el mundo de los museos, una forma de pensar sobre los peligros y las oportunidades en exposiciones como esta. Los museos de arte son exactamente el tipo de instituciones que pueden abordar un tema amplio y complicado como Snap + Share, que implica no solo cambios en la cultura visual, sino también cambios sociales, tecnológicos y psicológicos.
La historia del anuncio continúa debajo del anuncio.Pero siempre existe el peligro de enredarse demasiado con el tema. Las instituciones culturales ansían el tipo de energía que parece fluir a través de los circuitos de Internet. Anhelan la audiencia que ha crecido con estos sistemas de creación y distribución de imágenes, y anhelan el dinero de las personas cuyas fortunas se hicieron en la fiebre del oro digital. También existe una tendencia, no infrecuente entre los profesionales de los museos, a mirar el mundo explorado en programas como Snap + Share como el futuro, y como todos quieren pertenecer al futuro, hay una especie de respaldo tácito a la tecnología, que trae con él, un respaldo implícito de la industria que lo respalda.
Es algo pequeño, pero esta exposición habría sido más sólida si no hubiera invitado al público a participar. Ceiling Cat, como obra de arte, es una invitación a pensar. Pero al invitar a los visitantes a desmaterializar la escultura Ceiling Cat de nuevo en un meme de Internet, el curador parece decir: Todo esto fue muy divertido. El desapego crítico del espectáculo es reemplazado por arrullos, risitas y vibraciones para sentirse bien. La exposición equilibra inteligentemente la observación histórica de un fenómeno antiguo, nuestra necesidad de hacer que los demás conozcan nuestra presencia en el mundo, con observaciones lúcidas sobre cómo la tecnología está cambiando nuestra vida interior y nuestras relaciones sociales. Pero con Ceiling Cat y otras invitaciones para tomar fotografías y enviarlas al mundo, el programa sucumbe al final al pensamiento mágico con el que mantenemos a raya nuestras ansiedades sobre la cultura de las redes sociales: es inofensivo si solo lo tratamos como un poco irónicamente.
Un espectáculo verdaderamente radical no nos dejaría escapar tan fácilmente. Habría exigido que las personas dejaran atrás el impulso de tomar fotos y compartir el tiempo suficiente para explorar lo que nos está haciendo.
Snap + Compartir Hasta el 4 de agosto en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. sfmoma.org .
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